4,5,3 La difusión e la ópera en Inglaterra

Entre los precedentes operísticos ingleses podemos citar las mascaradas: forma dramática de distracción para la nobleza muy cercana al ballet de la corte francesa. En ellas alternaban partes cantadas con otras habladas o solamente danzadas. El nombre posiblemente provenga del hecho frecuente de usar los actores caretas en las representaciones.
La mezcla de estos precedentes con influencias provenientes de Francia e Italia dará lugar, con la figura de H. Purcell, al nacimiento de la genuina ópera inglesa. Su obra cumbre es Dido y Eneas.  El comentario de la audición esta aquí En ella sintetiza las influencias Francesas e italianas a las que añade la finura, delicadeza armónica y melódica inglesas.
Con Purcell parecía haberse consolidado un estilo inglés. Sin embargo después de su muerte serán compañías de músicos italianos (Geminiani, Bononcini, Gallupi, Haendel) los que dominen el panorama inglés hasta suplantar el
idioma italiano al inglés.
Merece destacarse el caso de Haendel: durante su primera época (hasta 1740) compone dos o tres óperas por año, hasta un total de unas 43. En ellas su estilo trata de aunar la severa personalidad alemana, con la gracia italiana y la majestuosidad inglesa, obteniendo con los medios más simples los efectos más grandiosos. La estructura de la ópera seria napolitana es evidente en sus obras como también lo es su ingenio para superarla y hacerla suya tratando de huir de sus convencionalismos. Una de sus óperas mas famosas es  Giulio Cesare y este es un ejemplo de aria da capo Da tempestate il legno in frato.
En el segundo cuarto del siglo XVIII surgirá la llamada ópera balada como parodia burlesca de la gran ópera: los personajes heroicos de ésta son reemplazados aquí por mendigos, ladrones y prostitutas. El ejemplo más famoso es “la ópera del mendigo” de Gay (libretista) y Pepusch (músico) de 1728, la cual arrastró clamorosamente al público de Londres hasta el punto de provocar estrepitosas quiebras a las compañías italianizantes dirigidas por Haendel.

4,5,2 La difusión de la ópera en Francia

Francia en un principio fue algo reacia a la ópera italiana. La primera ópera francesa conservada (Pomone, fruto de la colaboración del músico Cambert y el libretista Perrin) data de 1671. Hasta esta fecha los franceses practicarán dos
variedades de música escénica: los aires y los ballets de corte. Son representaciones suntuosas y aparatosas en las que abundaban las danzas escénicas, coros y canciones que alternan con otras partes habladas. Los temas
tratados eran una mezcla de asuntos mitológicos, alegóricos, políticos, satíricos, etc.
A partir del tercer cuarto del siglo XVII con J. B. Lully (músico venido de Italia que acabará convirtiéndose en el dueño musical de toda Francia), triunfarán en este país las primeras representaciones operísticas a las que él en un principio fue reacio cambiando de opinión al contemplar el éxito cosechado por Perrin. Colaborando con Moliere crea un nuevo estilo de óperas ballet (él las llamará tragedias líricas) caracterizado por:
-Poéticamente superior a las óperas italianas. Los libretistas se basan en las obras de célebres literatos como Corneille y Racine.
-Arias con una música más al servicio de la expresión dramática.
-Recitativos muy bien adaptados al tipo de declamación del francés.
-Importancia de las danzas y de los coros.
-A él se debe el desarrollo de una obertura instrumental (introducción a la ópera) que será diferente de la italiana: una primera sección lenta y en valores rítmicos con puntillo, una segunda sección más animada y en estilo contrapuntístico y una repetición de la primera sección.
Después de su muerte (producida, según los cronistas, a consecuencia de una herida que se produjo en un pie con un bastón con el que marcaba el compás mientras dirigía) se producirán ciertas tensiones y luchas entre los partidarios de la ópera al estilo italiano y los seguidores de la ópera francesa Lullysta. Éstas tensiones tendrán su continuación en el siglo siguiente con Rameau y la querella de los bufones y finalizarán con la reforma emprendida por Gluck.
J. P. Rameau es el más alto representante de la ópera Francesa de la primera mitad del siglo XVIII. Compone su primera ópera (Hipólito y Aricia, estrenada en 1733) a la edad de 50 años; después vendrán otras 30 obras teatrales
en diversos estilos. En ellas, sobre la estructura inalterable de Lully con prólogo, cinco actos, coros y números de ballet típicamente franceses, Rameau introduce novedades como más riqueza y audacia armónica, un penetrante uso de los instrumentos y, sobre todo, esquemas formales importados como el aria da capo italianizante.
El estilo operístico de Rameau no fue bien interpretado por sus adversarios: demasiado audaz para los partidarios de Lully y excesivamente culto y racional para los partidarios de la ópera italiana. Habrá de esperar hasta Debussy y
Ravel para ser considerado el principal punto de referencia de la música francesa del pasado.

4,5,1 La ópera en Italia

Florencia.
A finales del siglo XVI un grupo de artistas, literatos y músicos Florentinos reunidos en torno a los condes Bardi y Corsi, conocidos colectivamente como camerana Florentina, tratarán de volver al helenismo intentando resucitar las
antiguas tragedias griegas, dando por sentado que eran íntegramente cantadas, de principio a fin, sin solución de continuidad.
Jacopo Peri, músico de la citada camerata, es el autor de “Eurídice”, interpretada en 1600 en el palacio Pitti con motivo del matrimonio de María de Médicis y Enrique IV. Todos los historiadores consideran esta obra como la
primera ópera, es decir, la primera acción dramática íntegramente cantada. Pero la primeroa ópera con entidad y calidad es L'Orfeo de Claudio Monteverdi donde se reune n todas las características de esta nueva composición.
El nuevo estilo operístico se basa en la consideración de la música como servidora de la palabra y de la representación. Para ello se usan nuevos recursos musicales y textuales:Se rechaza la polifonía que dificulta la comprensión el texto e impide la expresión de sentimientos individuales.
Pasajes melódicos del solista (arias) acompañados por un laúd o instrumento de teclado que se limita a realizar unos sencillos acordes alternan con otros en los que se emplea el llamado estilo recitativo: declamación dramática, en ritmo libre, con una línea no melódica y un leve acompañamiento instrumental.
Uso de una voz baja a la que muy pronto se añadirán debajo unas cifras que indican los intervalos de las demás notas del acorde que el intérprete debe improvisar. Esta voz baja, llamada bajo continuo, era ejecutada por dos
instrumentos: un instrumento de cuerda de registro grave (laúd grande o tiorba) tocaba la melodía tal y como está escrita, y un instrumento de teclado (clavecín) tocaba con la mano izquierda la misma melodía, mientras con la derecha rellenaba los acordes que le dictaban las cifras. Había reglas concretas para realizar correctamente este bajo y era un arte saber improvisar sobre un bajo cifrado. Como ejemplo tenemosVi ricorda o boschi ombrossi y Ay caso acerbo del Orfeo de Claudio Monteverdi QUE ES UNA AUDICIÓN QUE ENTRA PARA EXAMEN
Aparición de los libretos: textos preparados especialmente para la representación por estar dotados de especiales cualidades dramáticas. Los primeros se inspirarán en la mitología griega.
Tras los pasos de Florencia otras importantes ciudades italianas participaron activamente en la configuración del nuevo teatro musical:
Roma: en esta ciudad podemos situar el origen de la ópera bufa (cómica) al ser introducidas escenas cómicas entre los actos de una ópera seria.
Venecia: a mediados del XVII Venecia tomará el relevo de la ópera romana y dirigirá la vida musical europea durante todo el siglo. En esta ciudad se abrirá el primer teatro público de taquilla (1637. San Casiano). Claudio Monteverdi es el más grande músico italiano del siglo XVII: consagró y elevo al máximo rango el nuevo género musical además de practicar con notable éxito el tradicional estilo contrapuntístico a través de sus muchos madrigales y piezas religiosas. La época más interesante de su vida como compositor está ligada a la apertura del
primer teatro público en Venecia: allí se convierte en el gran maestro del género operístico con obras como el retorno de Ulises (1641) y la más célebre Coronación de Popea (1642).
Nápoles: en la transición del siglo XVII a XVIII Nápoles recoge la antorcha del movimiento operístico. Como aportaciones de la ópera napolitana podemos enumerar:
-Codificación del género serio. Alessandro Scarlatti compuso más de 60 obras teatrales, la mayor parte de ellas estrenadas en Nápoles, y la ópera napolitana conquistó toda Italia y se impuso en Europa. La ópera seria era un género solemne, sofisticado, brillante, repleto de convencionalismos incompatibles con un buen teatro musical.
-Los libretos estaban basados en la historia antigua y la leyenda. Como ejemplo de ópera seria tenemos la overtura de la ópera L' Olimpiade de Antonio Vivaldi
-A lo largo de tres actos la acción se desarrolla en los RECITATIVOS SECOS (la voz sola en ritmo libre sostenida por unos sencillos acordes del clavecín) y se estancaba en las ARIAS (donde se recreaban cantablemente los sentimientos y el cantante tenía la oportunidad de lucirse). La ópera seria en realidad
acaba convirtiéndose en un recital de 30 o más arias individuales, enlazadas por breves recitativos y coros como es el caso de Jealousy! Infernal Pest, Hercules de G. F. Händel. Estas óperas eran escenificadas con gran esplendor. Todos los personajes debían tener al menos un aria en cada acto y la importancia de los personajes se media por el número de arias que cantaban.
-Estructura del aria (ABA): consta de una introducción instrumental seguida de una sección en la que el cantante hace gala de un gran virtuosismo vocal y que termina con un breve postludio instrumental (A).
Seguía una segunda sección melódica sencilla (B) que servía como de descanso vocal para terminar con una repetición variada de la primera sección. Esta tercera sección no se escribía, por lo que la llamaron aria da capo o de vuelta.
-Aparición del llamado BEL CANTO como un alto desarrollo de la técnica vocal. Como contrapartida negativa podemos citar las frecuentes exageraciones en las que incurrían los cantantes que, pendientes únicamente de su propio lucimiento, imponían al compositor sus propios caprichos exhibicionistas:
invención de vocalizaciones, especialmente en el da capo, sin tener nociones de composición, práctica del pasticcio (hurtar arias de una ópera propia o ajena para introducirlas en otra) etc. Los castratos o sopranistas (voz de niño con gran potencia, brillo y extensión) cooperaron a la difusión de esta escuela
belcantista. Como ejemplo de Aria de lo que hemos hablado tenemos Ombra mai fu de la ópera Xerxes de Handel
-Los Intermezzi, o las óperas bufas o cómicas eran un género de menor prestigio, interpretado por compañías más baratas, a menudo ambulantes, y para públicos más populares. A partir de principios del siglo
XVIII la ópera cómica fue ganando la confianza de públicos más amplios porque supone obras más breves, llenas de gracia, espontaneidad y sentido del humor que, con una música fácil, ligera y basada en melodías populares, narraban asuntos extraídos de la vida cotidiana que interesabas más. Surge como reacción frente a la monotonía, pesadez y artificiosidad de la ópera napolitana. Entre sus cultivadores podemos citar:Pergolessi (la serva padrona), Cimarosa (el matrimonio secreto), Piccini, etc.

4.4 PERIODOS DE LA MÚSICA BARROCA

1ºBarroco o primer barroco(1600-1650):predominio de la música vocal y rechazo hacia el contrapunto. Experimentación armónica pero todavía la música es modal. Músicos : Monteverdi, Peri, Frescobaldi y Allegri, todos de Italia.
2ºBarroco o barroco medio(1650-1700):La música vocal y la instrumental tuvieron la misma importancia, se evoluciona hacia la tonalidad, se empieza a utilizar de nuevo el contrapunto. Músicos: Purcell (Inglaterra), Lully y Charpentier (Francia), Pachelbel y Buxtehude (Alemania) y Corelli (Italia).
3ºBarroco o barroco tardio (1700-1750):predomina la música instrumental, la armonía tonal usa el contrapunto. Músicos: Vivaldi (Italia), Couperin (Francia), Johan Sebastián Bach y Telemann (Alemania), Handel (Inglaterra), Scarlatti (España).
En este video vienen los subperiodos en el que se divide el barroco musical.

4.3 CARACTERÍSTICAS DEL BARROCO MUSICAL

-Predominio del estilo vertical u homofónico y aparece la melodía acompañada.
-Nacimiento del bajo continuo: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. Se prefiere la melodía sólidamente apoyada en el bajo. La voz superior es la melodía y el resto de la voces se convierte en un relleno armónico. El acompañamiento se indica mediante una serie de cifras (bajo cifrado) que señalan al acompañante los acordes que puede ejecutar.
-Supremacía de un estilo armónico: sentido vertical en la música.
-Delimitación e independencia entre música vocal e instrumental.
-Uso de los contrastes que dará del estilo concertado al utilizar distintos planos sonoros y timbres que pueden obtenerse de una orquesta, produciéndose así contraposiciones entre todos los instrumentos (tutti), un pequeño grupo (concertino) o un solista.
-Nacimiento y esplendor de la música dramática: ópera, cantata, etc.
-Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara.
-Aparición de un ritmo muy marcado y medido, aparece el moderno compás.
-Nuevo concepto armónico: se deja de usar la música modal y se usa la tonal (2º Barroco).
-Uso de acordes disonantes con mayor frecuencia.
-Supremacía de la música profana sobre la música religiosa.
-El compositor practica todos los géneros de su época.
-Los compositores del barroco persiguen la expresión de sentimientos y emociones. Es lo que se conoce con el nombre de Teoría de los afectos: se supone que éstos pueden ser expresados mediante recursos musicales predeterminados. 

4.2 LAS ARTES Y EL ESTILO MUSICAL BAROCO

En el Barroco, la música tuvo un desarrollo espectacular, Los músicos adoptaron el término barroco para referirse al período de ciento cincuenta años que va desde los inicios de la ópera, hacia 1600, hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750.
La música acompañó en todo momento los profundos cambios experimentados en la sociedad, la cultura y el arte, y el Barroco se convirtió en la época del virtuosismo musical, con grandes intérpretes y un enorme desarrollo de la orquesta y de las técnicas de construcción de instrumentos.
Consecuencia del racionalismo científico que dominó el pensamiento de la época, la música barroca redujo todos los modos musicales eclesiásticos a solo dos: el modo mayor y el modo menor (2º Barroco). Con estos modos se escribieron la mayoría de las obras musicales que han llegado hasta nosotros.
Por otro lado, el método científico propició el nacimiento de la ciencia de la armonía (estudio de los acordes), teorizada por Gioseffo Zarlino (1517-1590), que buscó en la naturaleza la fuente de toda legitimidad.
Los efectos que excitaban los sentimientos en los conjuntos de los grandes escultores barrocos trató de conseguirlos el músico con el uso del acorde consonante y disonante
La arquitectura de línea curva y ornamentación exuberante tuvo su reflejo sonoro en las melodías llenas de adornos y acrobacias vocales, sobre todo con la aparición de voces artificiales: los castrati, cantantes de sexo masculino que eran castrados antes de llegar a la pubertad para preservar su voz de soprano o contralto. Esta práctica decayó cuando las mujeres, a finales del siglo XVIII, se incorporaron a la escena operística.
La pintura realista y de fuertes contrastes guió a los compositores en sus obras instrumentales y los impulsó a buscar el colorido tímbrico, con la aparición y perfeccionamiento de nuevos instrumentos, y el contraste sonoro, con el uso del estilo concertante, en el que a un solista o grupo de solistas se opone o contrasta el resto de la orquesta.
La monarquía absoluta impuso el uso de una melodía principal, con lo que desapareció el resto de voces del estilo polifónico; y también surgió el virtuoso, que, en cierto modo, acabó ejerciendo un absolutismo instrumental sobre el resto de la orquesta.
La aparición de teatros donde se representaban obras dramáticas con música, las óperas, hizo que se produjera un mayor acercamiento entre los diferentes estamentos sociales de la época.
En este video viene un resumen de las caracteristicas del arte barroco.

4.1 LA SOCIEDAD Y LA CULTURA DEL BARROCO

En el Barroco cobró un enorme auge la exaltación de los sentimientos frente a la serenidad y a la mirada puesta en el hombre que habían sido propias del período anterior.
El Barroco fue una época en la que se produjeron grandes avances científicos y descubrimientos que cambiaron la percepción que las personas tenían del mundo. Los científicos partidarios de la experimentación modificaron las teorías en torno al universo físico: Copérnico (Heliocentrismo), Galileo Galilei (fundador de la mecánica, telescopio,), Torricelli (Barómetro), Newton (Leyes de la gravitación).
En el pensamiento surgió el racionalismo con Descartes y se inició la ciencia moderna, basada en la experiencia y la inducción. La filosofía empirista fue desarrollada por un grupo de filósofos ingleses a cuya cabeza estuvo Bacon.
Durante el Barroco se incrementó la ornamentación en todas las artes hasta llegar, en ocasiones, al exceso. La música, por su parte, experimentó un enorme desarrollo.
El siglo XVII y más concretamente su segunda mitad, está marcado por el triunfo del absolutismo en toda Europa, con la excepción de Holanda e Inglaterra. El poder político de los monarcas se fortaleció hasta eliminar toda representatividad, dando lugar a las monarquías absolutas.
Los intereses nacionales se exacerbaron y pretendieron imponerse hegemónicamente. Durante el siglo XVI fue España la nación hegemónica, y en el siglo siguiente lo fue Francia. Las hegemonías terminaron en el siglo XVIII, fortaleciéndose la idea de equilibrio.
La sociedad estaba organizada en tres grupos, llamados estamentos o estados: nobleza, clero y tercer estado o estado llano. Los dos primeros estamentos eran los privilegiados; el otro estamento poseía escasos recursos económicos y estaba excluido de la participación política.
Unido al éxito de la monarquía absoluta, el mercantilismo se fue imponiendo en Europa desde mediados del siglo XVII, El Estado desarrolló una política económica intervencionista prohibiendo la salida de los metales preciosos. Se trataba de un auténtico nacionalismo económico que reforzaba el nacionalismo político. 
El Barroco reaccionó frente a la rigidez de las reglas y se convirtió en un arte abierto, libre, que buscaba lo grandioso y lo dinámico. El Barroco, a la vez que fomentaba el interés por el hombre y la naturaleza, exaltaba el absolutismo real y el sentido victorioso y propagandístico de la Contrarreforma católica. La expresión artística estaba en consonancia con el desarrollo de la sociedad. La cultura tendió a encontrar razones justificativas del poder absoluto de los monarcas .
Las luchas religiosas y el enfrentamiento entre reformados y católicos tuvo grandes repercusiones en el arte y la cultura. En el campo católico, el arte sirvió para realzar la figura de la Virgen y de los santos, produciendo retablos e imaginería de gran valor,
La arquitectura se caracterizó por el movimiento, el claroscuro y la grandiosidad.
En la escultura triunfó el afán de movimiento y se dio preferencia a los gestos exaltados y la teatralidad
La pintura se caracterizó por el naturalismo, la fuerte expresividad y el claroscuro. Destacaron Caravaggio, Rembrandt, Murillo y Velázquez.
En la literatura se asiste al desarrollo del tema religioso a través de la mística,
en el siglo XVI, con San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesús, y de los autos sacramentales, en el siglo XVII, con Calderón de la Barca.
En el pensamiento surgió el racionalismo con Descartes y se inició la ciencia moderna, basada en la experiencia y la inducción. La filosofía empirista fue desarrollada por un grupo de filósofos ingleses a cuya cabeza estuvo Bacon.
Destinatarios del arte barroco:
Alta nobleza.:La grandiosidad decorativa exalta el poder y la riqueza de los reyes y de los nobles.
Iglesia. El Barroco ilustra las verdades de la fe y ofrece un marco suntuoso para las celebraciones litúrgicas.
Pueblo. Las imágenes religiosas y la espectacularidad agradan a las gentes sencillas e incultas.